Hans Richter
Comienza sus estudios en música con el propósito de hacer música visual y así es como crea Rhythmus 21, Rhythmus 23 y Rhythmus 25, trabaja a partir de fi guras recortadas, que van apareciendo y desapareciendo, se van escalando y moviendo en el espacio, en estos trabajos no aparece el color (ya que la técnica no lo permitía) y la sincronización con el audio no era desde la película sino desde piezas grabadas o tocadas en vivo. Richter es conocedor de los trucos de Meliés y los utiliza en sus películas evolucionándolos hacia otros lenguajes.Bio.
Walter Ruttmann
En 1921 presenta en Berlín su Opus I, primera representación pública de una película abstracta, con una gran repercusión entre el público y la prensa. Con un auténtico alarde de imaginación y sensibilidad, Ruttmann supera las dificultades técnicas. Dado el éxito cosechado con esta producción, en los años siguientes crea otros tres cortometrajes, Opus II, Opus III y Opus IV.
Durante este periodo participa en trabajos de gran envergadura con artistas como Fritz Lang, creando para Los Nibelungos la secuencia de la pesadilla de Krienhild, en la que unas bandadas de pájaros cruzan el cielo oscuro para introducirse en los sueños de la reina. Más tarde, dirigirá su trabajo hacia otros caminos y es así “la música y las imágenes debían tener vínculos con la historia”, abandonando la abstracción y creando piezas en las que toma elementos de la vida real y los combina rítmicamente entre sí.
Como despedida de su periodo anterior crea 30 segundos de animación abstracta para Die Sinfonie der Grosstadt (Berlín, sinfonía de una gran ciudad.Bio
Viking Eggeling
Sinfonía Diagonal es la obra más destacable de la escasa producción de este artista, se trata de una película en blanco y negro que se anima al ritmo de la música, formas orgánicas y geométricas van creciendo, apareciendo y desapareciendo, en torno a una forma central, se trata de una auténtica pintura en movimiento.
Metrópolis. Fritz Lang
Viking Eggeling fue amigo y colega de Hans Richter, quien le animó a trabajar en la animación abstracta. La aportación de estos artistas tuvo su repercusión en el motion graphics, y en concreto, en una de sus vertientes tan en boga hoy en día: el type in motion, a través de la película Metrópolis (dónde se cree que también trabajo Ruttman), en este fi lm se puede ver los primeros indicios en el uso expresivo de la tipografía en movimiento de los títulos.
La cinta comienza con la aparición del título de la película: formas geométricas que dan paso a líneas que cruzan la pantalla diagonalmente, dibujando los perfi les de las letras. A la aparición del título de la película, le sigue una introducción en la que por medio del fotomontaje, muestra el entorno industrial de la ciudad de los trabajadores y se comienza a describir
el modo de vida en el que está ambientada la película, mientras la tipografía se convierte en portadora expresiva del concepto tanto en su morfología y disposición, como en su movimiento. Por una parte la decodifi cación del texto nos aporta la comprensión de la secuencia, y por otra, mediante la forma y el movimiento, se le dota de otra dimensión expresiva, que remite directamente a la historia.
Len Lye
Len Lye es uno de los primeros artistas en dar un tratamiento cinético al texto con fi nes expresivos en el medio cinematográfico. Es además, el primero que introduce en su trabajo imagen real postproducida, tipografía, movimiento y sonido.
Una de las técnicas de animación utilizada por Lye consiste en pintar directamente sobre el celuloide, y es así como crea A Colour Box en 1936 y Kaleidoscope un año después, estas dos películas abstractas recibieron grandes elogios.
En Rainbow Dance (Danza del arco iris, 1936) mezcla por primera vez imagen con grafi smo, graba en blanco y negro imágenes reales y luego le transfi ere los tres colores primarios al hacer la copia defi nitiva. Con Free Radicals (Radicales Libres) gana un premio en el festival de Bruselas, se trata de una película de cinco minutos de duración, rodada en blanco y negro, donde unas partículas electrónicas se mueven por la superfi cie de la pantalla.
Len Lye es un artista en continua búsqueda del movimiento, mutable y experimental, su trabajo hace grandes aportaciones al mundo de la animación y del motion graphics, aunque en esta época este término ni siquiera se barajaba
Gary Hill
Unas décadas después Gary Hill hace lo propio profundizando en las posibilidades expresivas del texto en sus creaciones audiovisuales. El artista considera que la palabra está anclada a la imagen. Persigue alterar las relaciones entre la palabra e imagen con lo que se podría decir que en Hill la frase “una imagen vale más que mil palabras” se convierte más bien en “una imagen no vale nada sin palabras”.
La materia prima de su trabajo es el texto, el sonido y la imagen. Su incesante búsqueda de las relaciones y cohabitaciones de estos elementos, le llevan a crear vídeos cuyo contenido está muy próximo a la poesía. En Around and About (1980) un vídeo-poema donde cada imagen se corresponde con una sílaba, Hill explora las relaciones entre el texto y la imagen, dando como resultado la escritura con imágenes.
LOS PIONEROS
Con la llegada del sonido al cine, los títulos de crédito se enriquecen gracias a la banda sonora. La aparición de elementos tipográficos en el cine no va más allá de la utilización de la fuente específica para cada género cinematográfi co, pudiéndose diferenciar entre la tipografía del western, del cine de terror, del musical, etc.
Sin embargo estaba a punto de suceder algo que sentaría las bases de lo que hoy conocemos como motion graphics. El protagonista de esta revolución será Saul Bass, quien dotó de importancia a esa parte del film, a la que hasta el momento nadie había prestado atención, y convirtió los títulos de crédito en piezas audiovisuales de gran valor artístico, son los títulos de estas películas los que se consideran “oficialmente” como la primera expresión del motion graphics.
El término motion graphics es utilizado por primera vez por un compañero de trabajo de Saul Bass, un animador de nombre John Whitney que trabajaba conjuntamente con aquél creando diseños para el cine.En 1960 crea la empresa “Motion Graphics Incorporated” y es allí de donde originariamente sale el nombre. { Saúl Bass }
Estudia diseño en la Universidad de Nueva York donde queda claramente influenciado por el Constructivismo Ruso y por el trabajo de Gyorgy Kepes y Laszlo Moholy-Nagy, diseñadores y artistas de la Bauhaus, quienes marcarían profundamente su estilo, sobre todo en sus primeros trabajos, y en su método y rigor durante toda su vida. Fue Kepes además, quien introdujo a Saul Bass en los conocimientos sobre las teorías del constructivismo ruso.
En 1950 crea en EEUU su estudio de publicidad y diseño gráfico impreso. Cinco años más tarde, Otto Preminger le propone el diseño del cartel de Carmen Jones. La satisfacción por este trabajo, lleva al director a realizar el primer encargo en movimiento de Saul Bass, inaugurando un nuevo género, que en muy poco tiempo, muchos directores introducirían en sus películas.
Trabaja para Robert Aldrich (The big Knife), para Billy Wilder (La tentación vive arriba), pero su verdadero reconocimiento llega con los títulos de El hombre del brazo de oro (Otto Preminger), propuesta muy influenciada por el Guernica de Picasso.
La secuencia, en blanco y negro, es una sucesión de líneas blancas sobre fondo negro animadas a golpe de percusión, la imagen final es un brazo que está fragmentado, deformado, imagen representativa del film. La característica más llamativa es la síntesis, que Bass lleva a su punto más extremo, dando al conjunto un aspecto expresionista, el objetivo de Saul Bass es tratar de simbolizar en pocos minutos la película entera, con unos títulos que estén completamente relacionados con el argumento que presentan. Lo que realmente consiguió con su método de trabajo fue elaborar una metáfora que representara todo aquello que la película iba a ofrecer al espectador.(1)
Esta pieza guarda una estrecha relación con las de los artistas de vanguardia, en especial con el estilo de Oskar Fischinger. Bass trabaja con elementos abstractos, que se animan al ritmo de la música provocando sensaciones y emociones. Se basa en la línea y en los contrastes, que entran y salen en la pantalla, y en ocasiones ejercen presión sobre el texto. La tipografía es aquí un elemento más, funciona como elemento abstracto, si se observa desde el punto de vista compositivo. La importancia de la selección tipográfica es clara al ver como cada fuente tiene una personalidad en sí misma, lo que interpreta el sentido de la película, guía la historia; en otras palabras: expresa el significado.
Esto es sólo el principio de una fructífera carrera, en la que cosecho grandes trabajos, recogió grandes éxitos y sobre todo, dio lugar a la creación de un nuevo género dentro del cine. Su trabajo supuso un antes y un después en el grafismo cinematográ co, y sus fórmulas que funcionaron en el género, fueron extrapoladas al resto de las áreas gráficas audiovisuales, primero a la televisión y más recientemente, al medio digital.
Sus aportes fueron significativos, ya que:
• Unifica dentro de la misma pieza la tipografía y la imagen, dando a cada elemento un tratamiento expresivo. La tipografía deja de ser un elemento puramente utilitario para ser un elemento expresivo más, al igual que lo es la imagen. Todos los elementos se integran perfectamente unos con otros formando un todo indivisible, unos elementos complementan a otros en expresividad y significado.
• No sólo hay una intención expresiva sino que también se pretende crear una imagen única que represente a la película. Existe una identidad gráfica, que se genera a partir de elementos tales como la logomarca para el título, que se utilizará tanto para las aplicaciones en papel: cartel, folletos, etc., como para los títulos de crédito.
• En sus títulos de crédito genera imágenes que son capaces de transmitir emociones, ideas… creando una atmósfera que es el preludio del film que vendrá a continuación. Da las primeras pistas, concibiendo su trabajo como el arte de lo sutil frente a la evidencia.
• La imagen se adecua al perfil de la película, no se representa igual unos títulos de crédito para una película de misterio que para una comedia, o para un musical.
• El film comienza en el primer fotograma. Hay que atraer al espectador, crear una atmósfera visual, gráfica y sonora que les prepare para lo que van a ver.
Kyle Cooper
Si alguien destaca en la década de los 90 en el motion graphics cinematográfico, este es Kyle Cooper. El creador de la secuencia de créditos de Se7en da un soplo de aire fresco a este género, su trabajo más popular, para el que no utiliza efectos digitales, tiene lugar en la década de los 90, influyendo hasta la actualidad.
Su formación artística y la influencia de Paul Rand y Saul Bass, comienzan a marcar los primeros pasos hacia una carrera, que comienza profesionalmente ligada a RGA, empresa dónde bajo su dirección artística se realizaron títulos de crédito tan célebres como los de Una proposición indecente, Misión Imposible y Se7en. Hacia 1996 crea su propia empresa, Imaginary Forces, que se dedica a títulos de crédito para películas y series, así como publicidad televisiva.
Sin duda, los títulos de Se7en han marcado su carrera. Alejado de la euforia de esta década por el 3D y el efectismo digital, las técnicas de posproducción de este film son bien simples y se basan en técnicas clásicas de montaje. Los títulos no se colocan al principio del film, como apuntaba Bass, sino que se incorporan a la película como una secuencia más.
El aspecto de la tipografía tiene que ver con la huella de un punzón que actúa directamente sobre el celuloide, muy acorde con la temática del fi lm y con las imágenes que le rodean. La animación de esta tipografía se basa en el fallo de la película que se desliza torpemente sobre los raíles, provocando saltos y desplazamientos bruscos, que nos muestran mensajes ocultos. Todos estos elementos generan una atmósfera chirriante, que utiliza todas las estrategias para provocar una sensación desagradable y de esta manera muestra de forma metafórica el modo obsesivo y meticuloso con el que el asesino John Doe, interpretado por Kevin Spacey, selecciona a sus víctimas. En la película no se muestra la identidad del asesino hasta pasada la primera mitad, del mismo modo, Cooper no muestra en los créditos a Kevin Spacey.
Televisión
BBC
La BBC, la más veterana de las televisiones, ha sido la precursora de la gran mayoría de estos avances, siempre interesada en el desarrollo tecnológico. Durante los primeros años, con una televisión en blanco y negro, los diseñadores gráficos ven limitadas sus creaciones ante una emisión de escasa calidad, la tipografía debía ser grande y ancha para facilitar su lectura, las imágenes tenían que tener gran contraste, no contemplar el detalle y contar con contornos muy pronunciados, para que fueran visibles. Conforme va mejorando la calidad de la emisión mejora el aspecto de los gráficos animados.
En 1982 se lanza por primera vez al aire el canal 4 de la BBC de Londres. La persona a cargo de la presentación era Martín Lambie-Nairn, un diseñador gráfico que introdujo una mezcla de edición, animación 3D, efectos y juegos de cámara que abrieron aun más el camino del motion graphics. Una de sus secuencias más recordadas será la que un montón de piezas irregulares y de colores muy brillantes componen la famoso logomarca de Channel 4, este hecho sin duda marcó un antes y un después en el grafismo televisivo. Martin Lambie-Nairn asentó un estilo, que ha sido copiado hasta la saciedad, de una manera involuntaria, tras su trabajo, en las televisiones de todo el mundo se reproducía la técnica de los “logotipos voladores”.
MTV
El 1 de agosto de 1981, MTV inicia sus transmisiones lanzando al aire el “Video Killed the Radio Star”. MTV se caracterizó por utilizar separadores de bloques de programas como motion graphics conviertiéndose en cantera de talentos respecto a esta disciplina. Con ellos, se ha situado como referente de toda creación gráfica, siendo la impulsora de nuevos lenguajes y expresiones plásticas.
No existe manual de estilo por la que se guíen los creadores y como norma no puede desaparecer Music Televisión del logo. Sus estrategias son, entre otras:
El teaser, pequeñas piezas enigmáticas y con la información sesgada para crear expectativa.
• Proporcionar dinamismo a través de elementos tradicionalmente estáticos e intocables, como la mosca.
• Inventar nuevas fórmulas para dar información en la pantalla.
• Mantener una coherencia entre el diseño on-air, en pantalla, y el diseño off -air, prensa, conciertos, multimedia, etc., hasta incluso se diseñan los escenarios de los conciertos.
Panorama actual
El panorama audiovisual actual ofrece un terreno abonado para que los gráficos animados disfruten de una época de bonanza productiva, hay quien habla de una revolución en el motion graphics, cuya producción no depende exclusivamente del ámbito profesional. En lo que se refiere al aficionado, en general, se ha llegado a un deconstructivismo gráfico plagado de homenajes y títulos sobre todo tipográfi cos con mayor o menor adorno conceptual.
Pero ¿afecta al volumen de producción, al número de profesionales implicados, es decir al lenguaje? ¿O quizá se podría medir en un mayor consumo de este tipo de lenguaje?
Estudios como Prologue (con Kyle Cooper al frente), MK12, Psyop, Buck, Lobo, Shynola o Tronic son la referencia internacional junto a otros diseñadores que trabajan por libre (Adam Gault, Nando Costa o Ramiro Torres) en un panorama difícil de delimitar. El perfil técnico, formal y funcional de los motion graphics es cada vez más difuso y estos pueden ser vistos en pasarelas de moda, intervenciones artísticas, o incluso como paquete de presentación para eventos.
Imaginary Forces / Prologue Films
Es el estudio donde trabajaba Kyle Cooper, verdadero artifice de su éxito. Imaginary Forces tiene una larga lista de títulos de crédito a sus espaldas para importantes películas, muchos de ellos hechos por el mismo Cooper. Para el creador Kyle Cooper, diseñar la secuencia de los créditos de apertura de la película Se7en representó el salto directo a la fama. Él revitalizó la imagen y la importancia de los títulos a partir de ese trabajo. Ahora dirige Prologue Films un estudio dedicado básicamente a la creación de títulos de crédito para películas, esa suerte de “microhistoria” que se exhibe antes de cada función de cine.
MK12
MK12 fue fundado en Kansas City como colectivo de artistas y laboratorio de diseño. Dedicados principalmente a la realización de Motion graphics, son un estudio/empresa que se han ubicado ante un mercado global pudiendo desarrollar proyectos para distintos países, apostando por una estética de gran fuerza visual que no deja indiferente a nadie.
En 2007 MK12 presentaba Machobox, comenzando a aplicar connotaciones semánticas por medio de ilustraciones. Desde ahí, ha trabajado para firmas como MTV USA, BMW Films, Cartoon Network o Harley Davidson. Su vídeo ‘Ultra Love Ninja’ fue seleccionado en el apartado de creación multimedia del Festival de Cine de Sundance 2003. En este momento compaginan trabajos comerciales con trabajos personales, con una gran repercusión a nivel mundial.
Psypop
Psyop es una empresa con sede en Nueva York que se autodefinen como una culminación inspiradora de creatividad, colaboración y producción focalizada en proveer soluciones visuales en movimiento para la publicidad y el marketing. Su lema “Persuade, Change & Influence” encierra buena parte del secreto de su éxito, pretendiendo relacionarse con lo mejor de la escena mundial en gráficos animados.
Son los productores y realizadores, entre otros notables trabajos para Adidas, Absolut, Audi, Coca-Cola… Su página (www.psyop.tv), es una ventana a una buena parte de lo mejor que se está haciendo en animación y diseño en publicidad actualmente.
Psyop consigue que las técnicas digitales y manuales convivan sin que unas prevalezcan sobre otras, sacando lo mejor de ambas, la textura de pigmento, como la acuarela, la tinta, el carboncillo se combinan con sistemas de partículas, movimientos de cámara imposibles o tridimensionalidad desbordada.
Buck
Buck es un estudio de motion graphics y una compañía productora fundada en 2003 por Jeff Ellermeyer (CEO) y Ryan Honey (CD). Se trata de un colectivo integrado de directores, productores, artistas digitales, diseñadores gráficos, ilustradores y animadores, que creen en el poder de la colaboración y que debe el nombre Buck hace referencia a Buckminster Fuller. Realizan piezas para publicidad y televisión, para clientes como Coca-Cola, FOX, Nike o Toyota , entre muchos otros.
Lobo
Es un estudio de Sao Paulo, Brasil, especializado en animación y motion graphicss. Fue fundado por Mateus de Paula Santos y Nando Cohen en 1994. Se han especializado en diseño para televisión y animación, rmando campañas para grandes compañías.
Nando Costa
Es un diseñador gráfico nacido en Rio de Janeiro. Trabaja en diseño, ilustración, stop motion y motion graphics. Fue estudiante de la escuela de Artes Visuales de Parque Lage. Ha trabajado y vivido en Nueva York, Atlanta, Chicago.
Junto a su esposa Linn Olofsdotter, dirigió el estudio de Diseño Gráfico Nakd, ubicado en Brasil, donde trabajó para varios clientes como MTV y Cartoon Network entre otros.
Como Director Creativo y Director de Arte Senior en la Agencia de Publicidad Modernista!, trabajó para Budweiser, Napster y Hummer. Desde el 2006 ha estado trabajando como freelance y vive en Portland, Oregón, Estados Unidos. Además, ha publicado dos ediciones con sus trabajos, una “Brasil Inspired” y la otra “Disorder in Progress”